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expositions 2024
11.04.2024 > 21.04.2024
« Interstices »
Vernissage le jeudi 11 avril jusqu’à 21 heures Exposition du jeudi 11 au dimanche 21 avril 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
« Nourrit de pleins et de vides, de formes et contreformes, les interstices sont un groupement d'espaces entre des parties qui composent un ensemble. C'est à travers cette notion que Primal axe sa nouvelle exposition personnelle. Comme une porte entrebâillée, l'artiste nous laisse scruter son imaginaire, teinté d'une douce poésie absurde. Se succède un florilège de scènes intimistes dans lesquelles il associe travail de couleurs, matière et modelé, combiné à un geste vif, esquissé. Une échappée dans lesquelles ses personnages d'un autre temps nous offrent une narration aux liens subtils, et nous laisse un sentiment de surréel dans des scènes a priori banales. Primal tente de nous apporter son regard personnel de la vie, qui flotte en permanence dans un interstice où se frôle songe et réalité.»
Originaire d'Avignon et aujourd'hui basé à Paris, Primal est un artiste peintre muraliste qui s'exprime autour d'un travail combinant fresques et travail d'atelier.
A l'occasion de la sortie en librairie du nouveau roman de fantasy féministe d'Estelle Tolliac « La Quinte Geste », venez rencontrer l'autrice à l'occasion d'une séance de dédicaces à la galerie Le cabinet d'amateur !
L'artiste Nadège Dauvergne auteure de la couverture, sera également présente à cette occasion !
Résumé : Sur le Continent, monde imaginaire médiéval, les luttes et alliances entre royaumes mettent en jeu une multitude de protagonistes. Leur histoire se déroule en cinq temps, cinq branches temporelles qui se font échos et se cristallisent autour du jeune barde des Îles Salines Aigle, et de Jérisbée, toute jeune Dame Malatine du Peuple Zi. Au gré de leurs destinées, qui ne cessent de s’entrecroiser, ils auront à affronter le terrifiant peuple des Antharites, dont les redoutables guerriers aveugles...
Vernissage le jeudi 28 mars jusqu’à 21 heures Exposition du jeudi 28 mars au dimanche 7 avril 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
Dans ses œuvres, Amélie Joos interroge les états d’âme, les émotions des êtres et leur relation entre eux à travers différents modes d’expression. Dans les dessins et peintures que l’on peut qualifier de figuration de l’inconscient, ses sculptures et ses vidéos, elle décrit un univers onirique, faisant surgir des images à la fois profondément intimes tout en touchant aux archétypes appartenant à l’inconscient collectif.
Les personnages représentés, souvent hybrides, mi-homme mi-animal, semblent sortir d’un univers des contes pour enfants, comme le Chaperon rouge ou encore la Belle au bois dormant. La thématique de l’enfance surgit d’une manière allusive et insolite, parfois déroutante. Dans ses tableaux, les personnages, souvent seuls et un peu hors de temps, avec leurs visages doux et enfantins, semblent observer avec sagesse et lucidité le monde des adultes, lequel n’est jamais montré explicitement. Elle fait naître un monde chimérique à la fois très personnel et universel.
Les dessins, généralement de petit format, propice aux récits intimes, naissent souvent sous forme d’écriture automatique. D’un seul trait, les images intérieures sont traduites sans croquis, d’une manière directe et immédiate sur la feuille. Des êtres hybrides, parfois les visages dissimulés, se trouvant seuls dans des espaces dénudés, peuvent provoquer auprès du spectateur des sentiments ambivalents, voire inquiétants. Amélie Joos réfléchit sur ce monde actuel, turbulent et étrange, et son influence psychologique sur les êtres.
Née en Allemagne, Amélie Joos étudie la peinture à la Kunstakademie. Elle poursuit ensuite ses études aux Beaux-Arts d’Avignon, (DNSEP en 1997), puis à l’université d’Aix-Marseille en Histoire de l’Art, (Maîtrise 2003).
Amélie Joos vit et travaille aujourd’hui à Avignon. Elle expose régulièrement son travail en France et à l’étranger. Elle a exposé entre autres chez Yoyo Maeght, à l’Espace Grimont à Paris et au centre d’art contemporain Camprédon à l’Isle-sur-la-Sorgue. Elle a exposé à la Galerie du Réservoir, (Sète), Galerie des Augustines à Marseille, à Montpellier à la Numéro 5 Galerie, la Galerie Multiple et chez Agnes B., à Sète dans la chapelle du Quartier Haut ou encore à l’atelier de Spirale, à Paris au musée du Montparnasse et la Galerie Simple, à Avignon à la galerie Ducastel ou encore au cloître Saint Louis, au centre d’art du château du Beaucet, à Berlin, (Galerie Sur la Montagne, la Galerie Pavlov’s, Galerie Pussy Galore).
Avec la participation de Bault, Mélanie Busnel, Codex Urbanus, Etus, Mani, Nosbé, Oakoak, Paella?, Petite Poissone, Saint-Oma, Steeven Salvat, Sax, Veks Van Hillik...
Vernissage le jeudi 14 mars jusqu’à 21 heures Exposition du jeudi 14 au dimanche 24 mars 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
Vernissage le jeudi 29 février jusqu’à 21 heures Exposition du jeudi 29 février au dimanche 10 mars 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
« Sale temps pour les hommes » même si « L’espoir », « Un nuage d’espoir », perdure dans « La cité merveilleuse ». Il est « Le puits sans fond » autrement dit « Le fond sans fin » mais aussi « Un être végétatif » qui peut sombrer dans le « Corps à corps » ou s’illuminer dans le « Cœur à cœur ».
« Le nuage dans la tête », pourtant « Pas l’ombre d’un nuage », il est « En marche » vers « Le grand équilibre ». « De fil en aiguille » la « Force de gravité » provoque en lui un grand « Tiraillement » et c'est « Les jambes à son cou » qu'il fuit la « Chaîne humaine ».
Mais à « Tirer sur la corde » et malgré « La béquille » il devient « L’ivre de Lerne » et se lance dans une « Description » « Sans titre » d'un monde qu'il voudrait « Abstraction » pure.
L'« Apparition » que lui inspire une « Envolée lyrique » est « La goutte qui fait déborder le vase », « Le coup de foudre » de trop, « À la limite du supportable ».
Un « Accord » majeur, comme un « Lien céleste » et il se lance dans une partie de « Babyfoot » « Tout feu tout flamme », mais « Ouh, la, hop, raté » « Haut la main » !
« Un ange passe ».
« A love suprême », « Lâcher prise » et, en haut de « L'échelle », « Un baisé volé ».
Thomas Durcudoy, dit Saint-Oma, pratique un dessin spontané qu’il développe
via des médias et supports variés : de l’animation 2D aux fresques peintes dans
des friches, de couvertures de livres aux impressions sur des t-shirts Agnès B.,
des performances dessinées aux collages automatiques. La force authentique de
ses créations prend sa source dans le lâcher prise, l’évanouissement de la conscience, la fulgurance du trait comme moteur.
Vernissage le jeudi 15 février jusqu’à 21 heures Exposition du jeudi 15 au dimanche 25 février 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
Dessiner, dessiner, dessiner ou la chambre à bulles. Une chambre à bulles est un espace fermé contenant un liquide maintenu dans un état d'ébullition se matérialisant donc par des bulles. Ces chambres étaient utilisées comme détecteur de particules au milieu du XXe siècle. Le passage d'une particule se traduit par la formation le long de sa trajectoire d'une traînée de bulles. Dans ce type de détecteurs, les particules ont des trajectoires qui s'interrompent brusquement, ces interruptions signifient que la particule a été absorbée, par un atome par exemple. Ce type d'outil nous a permis d'observer les échanges, les mouvements, les liens dans le microcosme. Le résultat sont des images qui peuvent être considérées comme la naissance de l'abstraction organique, un style artistique caractérisé par l'utilisation des formes et structures abstraites, le plus souvent arrondies ou ondulées basées sur ce que l'on trouve dans la nature. L'abstraction organique ou biomorphique utilise donc les mêmes pattern que la nature elle-même, la base philosophique de ce style est liée aux idées du penseur français Henri Bergson qui a écrit sur une source unique issue de la création artistique et des processus évolutifs naturels. L'évolution créatrice, les processus évolutifs ''nature'' et la créativité artistique ''art'' proviendraient de la même source. Moore écrivit en 1937 qu'il croyait qu'il existe, effectivement, des formes naturelles universelles auxquelles tout le monde est conditionné inconsciemment et auxquelles nous pouvons répondre si notre contrôle conscient ne les ferme pas. Cet appel a été entendu et étendu à de multiples artistes tels que Calder, Hepworth, Arp, Miro...
Thierry Olivier aka Epi2mik par lui-même.
J’ai lu tous les articles de presse publiés sur Epi2mik. J’ai regardé toutes ses œuvres. J’ai consacré deux articles à son travail. Des milliers de mots, des centaines d’images depuis de nombreuses années et je m’interroge. Est-il légitime de mettre des mots sur les œuvres de Thierry Olivier ? Des mots pour décrire les émotions que je ressens à voir ses dessins. Des mots pour mettre de l’ordre dans une œuvre foisonnante et complexe. Des mots pour réintroduire du rationnel, de l’analyse, pour faire comprendre aux lecteurs les ressorts secrets d’un projet artistique.
Pourquoi ce questionnement portant précisément sur cette œuvre ? Si le but de la critique est de faire comprendre l’œuvre, le seul véhicule de la pensée qui vaille est la rationalité. Or je pense que l’œuvre de Thierry Olivier échappe à la raison raisonnante. Son œuvre est constituée de traces graphiques qu’Epi2mik a laissées depuis un peu plus de 20 ans. Des traces de sa vie la plus intime. S’y retrouvent étroitement mêlées des traces de sa formation aux Beaux-arts, de son enfermement volontaire, de son errance, de ses lectures, de ses rencontres, de ses tourments, de ses bonheurs, de ses amours, de sa vision de notre corps, de notre monde et de notre univers.
Dire avec mes mots ce que Thierry Olivier a voulu « dire » n’a aucun sens car il n’a pas choisi de dire ou d’écrire : il a choisi de créer des images. Et quelles images ! Non pas des images voguant au gré des courants « mainstream », des images pour être connu et reconnu, des dessins comme des marchandises fabriquées pour être vendues, mais des images, à lui nécessaires, des images qu’il ne pouvait pas ne pas créer. En vérité elles lui sont consubstantielles. Ce ne sont pas de petits cailloux blancs qui jalonnent sa vie comme autant de repères mais des images thaumaturges, des bouées de sauvetage qui l’ont empêché de sombrer corps et âme et de renaître à la vie et à l’amour.
Ajouter des mots à ses images serait un manque de respect autant pour l’homme que pour l’artiste. La seule approche possible est le ravissement.
Regarder les images, se laisser pénétrer par elles, lâcher prise, embarquer dans une méditation métaphysique hypnotique, passer outre toute velléité d’analyse, refuser le jugement esthétique, se laisser porter vers des contrées inexplorées. L’émotion est la seule voie de communication entre deux âmes.
C’est ainsi, un peu contre nature, que je laisserai l’analyse dans ma boite à outils.
Mon propos sera de vous montrer des œuvres choisies en fonction de ma sensibilité et de mettre en regard des citations de l’artiste. Ce qu’il dit de ses œuvres, son point de vue, ne constitue en rien une explication. C’est le sens qu’il en donne. Mais, nous le savons, la distance est grande entre le produit d’une création par un artiste et le discours de l’artiste sur son œuvre. Il n’en demeure pas moins que la « mise en récit » de son œuvre est passionnante.
« Il y a une évolution évidente entre le microcosme, la prolifération de particules élémentaires avec mes dessins actuels, je continue à augmenter le zoom, à rejoindre le macroscopique, à toucher l'organique, les structures même qu'utilisent la nature. Les notions géométriques que la nature elle-même utilise pour réaliser tout ce qui nous entoure. »
Entretien pour Entre | les | lignes écrit et réalisé par Richard Tassart.
Le dimanche 4 et le dimanche 11 février de 15 à 19 heures
Dédicace du catalogue de l'exposition !
Présentation d'une édition en tirage limité à 10 exemplaires, numérotés et signés, format 30 x 24 cm !
25.01.2024 > 11.02.2024
Steeven Salvat - « Petite nature »
Avec la participation de Agrume, Ardif, Éric Lacan, Levalet, Marco Mazzoni, Stom500, Teuthis, Théo Jan
Vernissage le jeudi 25 janvier jusqu’à 21 heures Exposition du jeudi 25 janvier au dimanche 11 février 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
Petite nature
« Se dit d’une personne aux moyens physiques limités ; personne de faible résistance psychologique, qui ne supporte pas les émotions fortes. »
Dictionnaire Larousse
Pour sa première exposition solo en France, Steeven Salvat explore le concept d'herbier à travers des jeux graphiques et des compositions subtiles. Dans ce nouveau projet, des végétaux authentiques, délicatement séchés, se mêlent subtilement à une variété d'animaux dessinés. L'artiste nous guide dans une réflexion sur l'interconnexion entre les mondes végétaux et animaux, cherchant à éveiller la conscience sur la fragilité des écosystèmes tels que les prairies et les points d'eau naturels, souvent sacrifiés au nom de l'urbanisme.
Explorez l'univers créatif de Steeven Salvat, où chaque oeuvre est une invitation à contempler la délicatesse de cette harmonie interdépendante.
« Petite Nature » offre une expérience visuelle détaillée et réfléchie, soulignant l'importance cruciale de préserver ces espaces naturels vulnérables, tout en célébrant la beauté complexe de leur coexistence.
Steeven Salvat est un artiste français qui vit et travaille à Paris. Né en 1990 à Menton, dans le sud de la France, il est passionné par le dessin et la peinture depuis sa plus tendre enfance ; la nature et ses merveilles imprègnent son univers. Ses oeuvres sont en partie composées de plusieurs couches de hachures, utilisant de l’encre de Chine. Etant inspiré notamment par Albrecht Dürer, Gustave Doré, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Molitz, Mœbius et Walton Ford, il accorde une attention particulière à la technique et aux détails. Son outil de prédilection, le stylo Rotring, lui permet d’obtenir un rendu proche de la gravure mais toujours avec une touche de modernité. Un travail minutieux et délicat qui fait l’éloge du temps qui passe, où chaque trait agit comme un décompte. Ses sujets mettent en avant la dualité, notamment entre le vivant et l'inerte, dans des œuvres qui évoquent les gravures naturalistes du XVIIIe siècle. Les animaux auxquels il donne vie, ligne après ligne, interagissent souvent avec des objets uniques, des pièces d’orfèvrerie, des œuvres d’art antiques...
Rencontre dédicace avec l'artiste, dimanche 14 janvier de 17 à 19 heures !
« Le livre des ombres », fac-similé du carnet de dessins, édition en tirage limité à 50 exemplaires, numérotés et signés.
21.01.2024
Rencontre dédicace avec l'artiste, dimanche 21 janvier de 16 à 19 heures !
Le catalogue de l'exposition, édition en tirage limité à 30 exemplaires, numérotés et signés.
10.01.2024 > 21.01.2024
Vernissage le mercredi 10 janvier jusqu’à 21 heures Exposition du mercredi 10 au dimanche 21 janvier 2024du mardi au dimanche de 14 à 19 heures
« On ne peut voir la lumière sans l'ombre,
On ne peut percevoir le silence sans le bruit,
On ne peut atteindre la sagesse sans la folie. »
Carl Gustav Jung
Un vieux collectionneur se passionne pour la chasse à l’ombre.
L’obsession accumulatrice devient destruction.
Tandis que l’obscurité se raréfie, d’autres formes d’existence émergent.
Bruyantes, folles, désordonnées.
Si les ombres disparaissaient, que resterait-il du monde ?
Originaire de Calabre, Italie, Miles a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Carrare. Après avoir travaillé au Japon, il retourne en Italie et affine son style en s'inspirant des images vues pendant son séjour.
Inspiré par de célèbres sculpteurs italiens tels que Giuliano Vangi, Augusto Perez, ou des peintres comme Gustav Klimt et Francis Bacon, il intègre l'univers du rêve dans ses œuvres.
Travaillant de manière instinctive, il laisse la partie la plus inconsciente de son esprit produire des images capables de provoquer des émotions fortes et de mettre en lumière des peurs profondément enfouies.
Ses recherches portent aussi sur le lien entre l'homme et l'animal à travers l'instinct : quand sommes-nous humains ? Quand sommes-nous des animaux ?
Il travaille actuellement entre Florence et, depuis peu, Paris.
« Le livre des ombres », sa première exposition personnelle à Paris, met en relief les conséquences d’un manque d’équilibre à travers un récit imagé, mêlant matière abstraite et figuratif onirique.
